• DELETE – Sprache, 2013

    DELETE – Sprache, 2013

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    DELETE Sprache, 2013

     

     

    DELETE Sprache (2013) is a work situated at the threshold between language, voice, and symbolic collapse. The piece consists of the artist articulating an invented language—constructed through verbal excess, guttural sounds, and continuous vocal flow—performed over a self-generated alphabet whose symbols are combined arbitrarily and without fixed syntax. Meaning is neither encoded nor decoded; it is suspended, displaced, and systematically eroded.

    The voice operates here not as a vehicle of communication but as a material system. Verbalization becomes an act of pressure rather than expression: breath, saliva, rhythm, and vocal strain replace semantic clarity. Language is reduced to its physiological and acoustic conditions, exposing speech as a mechanical and bodily process rather than a transparent medium of sense.

    The alphabet, stripped of linguistic hierarchy or grammatical order, functions as a visual and symbolic substrate subjected to constant permutation. Letters no longer stabilize meaning; they circulate as mutable signs, indifferent to interpretation. In this sense, DELETE Sprache does not invent a new language but performs the deletion of language itself—an active dismantling of syntax, reference, and legibility.

    The work engages with broader questions concerning the authority of language, the violence of standardization, and the limits of representation. By foregrounding excess, noise, and vocal distortion, DELETE Sprache resists both translation and archival fixation. What remains is an unstable zone where language fails productively, revealing its dependence on bodies, systems, and imposed structures.

    Rather than proposing an alternative semiotic order, the piece insists on breakdown as method. Speech persists, but meaning is continuously deferred. Language survives only as residue: breath without message, symbols without code, and voice as a site of erosion.

     

  • 8 hectáreas, 2008, Performance

    8 hectáreas, 2008, Performance

     

     

    8 hectares, 2008

    Remote performance / algorithmic transduction / collaboration

    8 hectares is conceived as a distributed and collaborative operation of territorial translation, carried out remotely between Marcello Mercado’s studio in Cologne, Germany, and the Symbolon laboratory in Unquillo, Córdoba, Argentina, in collaboration with the artist Sebastián Sánchez Zelada. The work is not grounded in shared physical presence nor in the direct representation of landscape, but in a chain of technical transfers, shared decisions and medial displacements that render distance a productive condition.

    The starting point consists of six panoramic photographs produced in Córdoba by Sánchez Zelada, conceived to visually encompass the full extension of an eight-hectare farm. These images do not function as documentary views or closed authorial statements, but as initial inputs within a relational process: the landscape is captured from a specific territory and sent to be subjected to a transduction procedure developed by Mercado, in which the image is displaced into an abstract regime of data.

    Through this method of transduction, the photographs are converted into residual text — junk text — illegible to conventional human reading. The landscape ceases to exist as a recognizable image and becomes a dense textual mass, algorithmically generated, where direct reference and semantic legibility are suspended. The territory turns into code.

    This text is then read aloud and recorded. The reading does not aim to communicate meaning or translate the code into a comprehensible narrative, but to stage a tension between body, language and system. The voice confronts a material that resists interpretation, transforming reading into a physical act in which human language appears as an inadequate medium for processing machinically generated information.

    The resulting material returns to its place of origin in two simultaneous forms. On the one hand, fragments of the text are printed and affixed to trees on the site, inserting themselves into the landscape as writing without an addressee—an inscription that neither informs nor signals, but introduces an interference between code, organic support and environment. On the other hand, the audio recording is played back for two hours in the same space, allowing the landscape to “listen to itself” as an algorithmic loop: not as ambient sound or narration, but as an artificial vocalization of its own translation into data.

    In 8 hectares, landscape is no longer an object of contemplation nor a visual motif, but a system traversed by technical, linguistic and collaborative operations. The work does not represent the territory nor document it; it subjects it to a series of displacements that fragment it, abstract it and return it transformed. The geographical distance between Cologne and Córdoba is not an obstacle to be overcome, but a structural condition of the work, sustained through collaboration and the circulation of information between both contexts.

    This performance is coherently embedded within Mercado’s broader practice, characterized by the translation between heterogeneous systems—image, text, sound, code—and by a conception of media not as neutral support, but as an active agent of transformation. At the same time, Sánchez Zelada’s participation anchors the work in a concrete territorial dimension, where the production of images, their physical reinsertion and their sonic activation take place from within the landscape itself.

    8 hectares thus proposes a precarious and distributed algorithmic ecology: a landscape that is not shown, but circulated; not preserved, but processed; not speaking, but forced to listen to itself through a code partially foreign to it. The work does not resolve this process nor offer a final image of the territory. It holds it in suspension, as a sequence of incomplete translations sustained by distance, collaboration and the materiality of media.

     

     

    8 hectares (2008)

    Marcello Mercado and Sebastián Sánchez Zelada
    Panoramic view of the eight-hectare farm, Córdoba, Argentina
    Digital photograph, transmitted remotely to Cologne as source material for algorithmic transduction
    2008

     

     

    8 hectares (2008)

    Marcello Mercado and Sebastián Sánchez Zelada
    Panoramic view of the eight-hectare farm, Córdoba, Argentina
    Digital photograph, transmitted remotely to Cologne as source material for algorithmic transduction
    2008

     

     

    8 hectares (2008)

    Marcello Mercado and Sebastián Sánchez Zelada
    Panoramic view of the eight-hectare farm, Córdoba, Argentina
    Digital photograph, transmitted remotely to Cologne as source material for algorithmic transduction
    2008

     

     

     

     

    8 Hektar, 2008

    Distanzperformance / algorithmische Transduktion / Kollaboration

    8 Hektar ist als eine verteilte und kollaborative Operation territorialer Übersetzung konzipiert, die auf Distanz zwischen dem Atelier von Marcello Mercado in Köln, Deutschland, und dem Labor Symbolon in Unquillo, Córdoba, Argentinien, in Zusammenarbeit mit dem Künstler Sebastián Sánchez Zelada, realisiert wurde. Die Arbeit gründet weder auf geteilter physischer Präsenz noch auf der direkten Darstellung von Landschaft, sondern auf einer Kette technischer Übertragungen, gemeinsamer Entscheidungen und medialer Verschiebungen, die Distanz zu einer produktiven Bedingung machen.

    Ausgangspunkt sind sechs panoramische Fotografien, die von Sánchez Zelada in Córdoba aufgenommen wurden und darauf angelegt sind, die gesamte Ausdehnung einer acht Hektar großen Farm visuell zu erfassen. Diese Bilder fungieren weder als dokumentarische Ansichten noch als abgeschlossene autorenschaftliche Aussagen, sondern als erste Inputs innerhalb eines relationalen Prozesses: Die Landschaft wird aus einem konkreten Territorium heraus erfasst und versandt, um einem von Mercado entwickelten Transduktionsverfahren unterzogen zu werden, bei dem das Bild in ein abstraktes Datenregime überführt wird.

    Durch dieses Verfahren werden die Fotografien in residualen Text — Junk-Text — übersetzt, der für konventionelle menschliche Lektüre unlesbar ist. Die Landschaft existiert nicht länger als wiedererkennbare Bildform, sondern wird zu einer dichten, algorithmisch erzeugten Textmasse, in der direkte Referenz und semantische Lesbarkeit suspendiert sind. Das Territorium wird zu Code.

    Dieser Text wird anschließend laut gelesen und aufgezeichnet. Die Lesung zielt nicht auf Bedeutungsvermittlung oder die Übersetzung des Codes in eine verständliche Erzählung, sondern auf die Inszenierung einer Spannung zwischen Körper, Sprache und System. Die Stimme begegnet einem Material, das sich der Interpretation entzieht, wodurch Lesen zu einem physischen Akt wird, in dem menschliche Sprache als ungeeignetes Medium zur Verarbeitung maschinell erzeugter Information erscheint.

    Das entstandene Material kehrt in zwei gleichzeitigen Formen an seinen Ursprungsort zurück. Einerseits werden Textfragmente ausgedruckt und an Bäumen auf dem Gelände angebracht, wodurch sie sich als adressatlose Schrift in die Landschaft einschreiben—eine Inskription, die weder informiert noch markiert, sondern eine Interferenz zwischen Code, organischem Träger und Umgebung erzeugt. Andererseits wird die Tonaufnahme über zwei Stunden hinweg am selben Ort abgespielt, sodass die Landschaft sich selbst als algorithmische Schleife „zuhören“ kann: nicht als Umgebungsgeräusch oder Erzählung, sondern als künstliche Vokalisierung ihrer eigenen Übersetzung in Daten.

    In 8 Hektar ist Landschaft kein Objekt der Kontemplation und kein visuelles Motiv, sondern ein System, das von technischen, sprachlichen und kollaborativen Operationen durchzogen ist. Die Arbeit repräsentiert das Territorium nicht und dokumentiert es nicht; sie unterzieht es einer Reihe von Verschiebungen, die es fragmentieren, abstrahieren und transformiert zurückführen. Die geografische Distanz zwischen Köln und Córdoba ist kein zu überwindendes Hindernis, sondern eine strukturelle Bedingung der Arbeit, getragen durch die Zusammenarbeit beider Künstler und die permanente Zirkulation von Information zwischen den Kontexten.

    Diese Performance fügt sich kohärent in Mercados umfassendere Praxis ein, die durch Übersetzungen zwischen heterogenen Systemen — Bild, Text, Klang, Code — sowie durch ein Verständnis des Mediums als aktivem Transformationsagenten gekennzeichnet ist. Zugleich verankert Sánchez Zeladas Beteiligung die Arbeit in einer konkreten territorialen Dimension, in der Bildproduktion, physische Reintegration und klangliche Aktivierung aus und innerhalb der Landschaft selbst erfolgen.

    8 Hektar schlägt damit eine prekäre, verteilte algorithmische Ökologie vor: eine Landschaft, die nicht gezeigt, sondern zirkuliert wird; nicht bewahrt, sondern verarbeitet; die nicht spricht, sondern gezwungen ist, sich selbst über einen ihr teilweise fremden Code zuzuhören. Die Arbeit schließt diesen Prozess nicht ab und bietet kein finales Bild des Territoriums. Sie hält ihn in der Schwebe, als eine Abfolge unvollständiger Übersetzungen, getragen von Distanz, Kollaboration und der Materialität der Medien.

     

     

    8 hectáreas, 2008

    Performance a distancia / transducción algorítmica / colaboración

    8 hectáreas se configura como una operación de traducción territorial distribuida y colaborativa, realizada a distancia entre el estudio de Marcello Mercado en Colonia, Alemania, y el laboratorio Symbolon en Unquillo, Córdoba, Argentina, en colaboración con el artista Sebastián Sánchez Zelada. La obra no se funda en la presencia física compartida ni en la representación directa del paisaje, sino en una cadena de transferencias técnicas, decisiones compartidas y desplazamientos mediáticos que hacen de la distancia una condición productiva.

    El punto de partida es un conjunto de seis fotografías panorámicas realizadas en Córdoba por Sánchez Zelada, concebidas para abarcar visualmente la totalidad de una granja de ocho hectáreas. Estas imágenes no operan como vistas documentales ni como registros autorales cerrados, sino como insumos iniciales dentro de un proceso relacional: el paisaje es capturado desde un territorio específico y enviado para ser sometido a un procedimiento de transducción desarrollado por Mercado, en el que la imagen es desplazada hacia un régimen abstracto de datos.

    Mediante este método de transducción, las fotografías son convertidas en texto residual —texto basura, junk—, ilegible para una lectura humana convencional. El paisaje deja de existir como imagen reconocible y se transforma en una masa textual compleja, producida algorítmicamente, donde se suspenden la referencia directa y la legibilidad semántica. El territorio se vuelve código.

    Este texto es luego leído en voz alta y grabado. La lectura no busca comunicar significado ni traducir el código a un relato comprensible, sino poner en tensión cuerpo, lenguaje y sistema. La voz se enfrenta a un material que resiste la interpretación y convierte la lectura en un acto físico, casi forzado, donde el lenguaje humano aparece como un medio inadecuado para procesar información generada maquínicamente.

    El material resultante retorna al territorio de origen bajo dos formas simultáneas. Por un lado, fragmentos del texto son impresos y adheridos a los árboles de la granja, insertándose en el paisaje como una escritura sin destinatario, una inscripción que no señala ni informa, sino que introduce una interferencia entre código, soporte orgánico y entorno. Por otro lado, el registro sonoro es reproducido durante dos horas en el mismo espacio, permitiendo que el paisaje “se escuche a sí mismo” como bucle algorítmico: no como sonido ambiental ni como narración, sino como vocalización artificial de su propia traducción en datos.

    En 8 hectáreas, el paisaje no es un objeto de contemplación ni un motivo visual, sino un sistema atravesado por operaciones técnicas, lingüísticas y colaborativas. La obra no representa el territorio ni lo documenta; lo somete a una serie de desplazamientos que lo fragmentan, lo abstraen y lo devuelven transformado. La distancia geográfica entre Colonia y Córdoba no es un obstáculo a superar, sino una condición estructural del trabajo, sostenida por la colaboración entre ambos artistas y por la circulación constante de información entre ambos contextos.

    Esta performance se inscribe de manera coherente en la práctica de Mercado, caracterizada por la traducción entre sistemas heterogéneos —imagen, texto, sonido, código— y por una concepción del medio como agente activo de transformación. Al mismo tiempo, la participación de Sánchez Zelada ancla la obra en una dimensión territorial concreta, donde la producción de las imágenes, su reintroducción física y su activación sonora se realizan desde y dentro del paisaje implicado.

    8 hectáreas propone así una ecología algorítmica precaria y distribuida: un paisaje que no se muestra, sino que circula; que no se preserva, sino que se procesa; que no habla, sino que es forzado a escucharse a través de un código que le es parcialmente ajeno. La obra no clausura ese proceso ni ofrece una imagen final del territorio. Lo mantiene en suspensión, como una secuencia de traducciones incompletas sostenidas por la distancia, la colaboración y la materialidad del medio.

     

  • SUMMA / Notations, 2012

    SUMMA / Notations, 2012

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    SUMMA / Notations (2012) is a work that operates at the intersection of sound, notation, and historical compression. Rather than composing music, the project proposes a system for processing musical heritage as residue: a form of sonic compost generated from the debris of canonical works of Western classical music.

    At the core of the piece is a set of 210 notations or graphemes—symbols without fixed meaning, hierarchy, or syntax—designed to function as a typographic system activated through a laptop keyboard. These symbols are not representations of sound in the traditional sense, but operational units. Each grapheme corresponds to a one-second sound event produced by radically compressing the total duration of a complete classical composition into a single second.

    Through this extreme temporal contraction, extended works by composers such as Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, or Richard Wagner are stripped of narrative, harmony, and development, leaving behind dense acoustic residues: noise, spectral clusters, and compressed information. Historical duration is not preserved but metabolized.

    Typing on the keyboard activates this system. Instead of melody or structure, what emerges is a mass of noise produced by the collision between symbolic input and compressed musical memory. The act of writing becomes an act of sounding, and notation ceases to function as instruction or prescription. It becomes a trigger, a switch that releases accumulated time as acoustic material.

    SUMMA / Notations reframes notation as a site of value transformation. Classical compositions—often treated as stable cultural monuments—are reduced, fragmented, and re-encoded into a new system where equivalence replaces hierarchy. One second stands in for hours. Value is no longer measured through duration, mastery, or historical authority, but through density, residue, and operational potential.

    Rather than preserving the canon, the work processes it. Music is not archived but composted: decomposed in order to generate new forms of inscription and listening. In this sense, SUMMA / Notations proposes a post-musical system in which history survives not as continuity, but as material pressure embedded within noise, symbols, and time reduced to its limit.

     

     

     

  • The chemical and physical perception in the eye of the cat, in the moment of the cut, 2005

    The chemical and physical perception in the eye of the cat, in the moment of the cut, 2005

     

     

     

    https://archive.org/details/TheChemicalAndPhysicalPerceptionInTheEyeOfTheCatInTheMomentOf

     

    The chemical and physical perception in the eye of the cat, in the moment of the cut, 2005

    electronic music, extreme noises, soundart, microsound, techno, noise, microsound, loop, industrial, game, experimental,

     

     

     

     

     

  • How leopards caught leopards, 2014

    How leopards caught leopards, 2014

     

     

     

    How leopards caught leopards
    20m 42″
    2014

    Soundtrack for the videoart piece«How leopards caught leopards», 2004

     

     

     

  • Sudafricanus generator serie1, 2004

    Sudafricanus generator serie1, 2004

     

     

    Sudafricanus generator serie1
    2004, South Africa

     

    Soundtrack from «Primordial Hunters» by Marcello Mercado, 2004

     

  • Variations on Van Gogh: Compositions for Small Motors and Robots, 2014, Book

    Variations on Van Gogh: Compositions for Small Motors and Robots, 2014, Book

     

     

    Marcello Mercado

    Variations on Van Gogh: Compositions for Small Motors and Robots

    Variationen Van Gogh: Kompositionen für kleine Motoren und Roboter

    25 × 20 cm, 82 pages

    2014

     

     

    Variations on Van Gogh: Compositions for Small Motors and Robots /
    Variationen Van Gogh: Kompositionen für kleine Motoren und Roboter (2014) extends Marcello Mercado’s long-term engagement with processes of transformation, translation and displacement. The project takes as its point of departure the painted Sunflowers by Vincent van Gogh, not as images to be reproduced, but as operative material to be reconfigured across heterogeneous systems.

    Visual representations derived from Van Gogh’s paintings are interwoven with musical compositions and notations generated through the use of small motors and robotic devices. These mechanical agents function neither as performers nor as tools of automation, but as mediators within a chain of transductions that shifts the work between image, movement, sound and notation.

    The book does not seek synthesis or interpretation. Instead, it assembles a field of variations in which pictorial motifs are fragmented, translated and re-inscribed into machinic and graphic processes. What emerges is not a homage to the historical image, but a layered score—an unstable constellation where painting, mechanics and notation coexist without hierarchy.

  • Seven Sunflowers Deleted / Sieben Sonnenblumen gelöscht, 2014

    Seven Sunflowers Deleted / Sieben Sonnenblumen gelöscht, 2014

     

    Marcello Mercado

    Seven Sunflowers Deleted / Sieben Sonnenblumen gelöscht

    25.5 × 25.5 cm, 60 pages
    2014

    Seven Sunflowers Deleted / Sieben Sonnenblumen gelöscht (2014) is an artist book conceived as an operation of translation and erasure. The project takes as its point of departure the seven painted versions of Sunflowers by Vincent van Gogh, not to reproduce or reinterpret them visually, but to submit them to a process of systematic transformation.

    Mercado converts each image into text, and then translates that text into an invented language and alphabet of his own design. Through this double transduction—from image to text, from text to an unreadable linguistic system—the original paintings are encoded and effectively deleted. What remains is not representation, but residue: a trace of the image displaced into another operative register.

    The book functions as a material archive of absence. It does not preserve the iconic image of the sunflowers, but documents the conditions of their disappearance through language, code and structure. In this sense, Seven Sunflowers Deleted proposes deletion not as negation, but as a productive act—one that exposes how images survive, mutate or vanish when subjected to translation systems beyond visibility.

     

     

  • Bitte Abstand halten / Please keep distance, 2015, Book

    Bitte Abstand halten / Please keep distance, 2015, Book

     

     

    Marcello Mercado

    Bitte Abstand halten / Please keep distance
    25 × 20 cm, 240 pages
    2015

     

    Bitte Abstand halten / Please keep distance (2015) is a photographic book structured around a paradoxical form of self-representation: a body that appears only through its reflections, traces and mediations. Mercado constructs a visual field populated by transparent objects, containers, membranes and interfaces that register proximity while enforcing separation. The body is everywhere implied and nowhere present.

    Rather than staging the figure, the work assembles a regime of signals—warnings, controls, barriers, instructions—that articulate contemporary modes of distance, regulation and visibility. Glass, plastic and reflective surfaces operate as both image carriers and distancing devices, producing a tension between intimacy and prohibition.

    The book unfolds as a quiet archive of thresholds. What is documented is not the body itself, but the infrastructures that surround it: optical, technical and behavioral systems that define how bodies are allowed to appear, circulate or withdraw. In this sense, Bitte Abstand halten / Please keep distance reads less as a photographic narrative than as a material protocol—one in which absence becomes the primary form of inscription.

     

  • Material Transfer Unit, 2025, PAINTING

    Material Transfer Unit, 2025, PAINTING

     

     

     

    Material Transfer Unit, 2025
    Painting-collage
    Dried plants, leaves, seeds, vegetal adhesive compounds, putty, metallic insulating foil, plastic foil, neon
    100 × 80 cm

     

    At first glance the painting appears wrapped rather than painted. Transparent plastic stretches across the surface in overlapping layers, catching the light unevenly and producing a skin that is at once reflective and opaque. Beneath it, metallic insulation, black passages, dried leaves and small vegetal fragments emerge intermittently. None of these elements occupies a stable foreground. They seem suspended at different depths, as though the work had accumulated through successive acts of covering instead of addition.

    The neon tube changes the way the composition is read. It does not sit on top of the image as an accent, nor does it function as an external source of illumination. Its continuous line folds back on itself, slows, accelerates, disappears behind translucent membranes and reappears elsewhere. One follows it instinctively, but it never quite becomes a contour or a frame. It behaves more like a current moving through a dense environment whose resistance constantly alters its path.

    Seen closely, the dried leaves lose much of their botanical identity. Their colour survives, but their function has shifted. They are flattened, enclosed, pressed against reflective surfaces or caught beneath plastic film. The same is true of the industrial materials. Foil, putty and insulation are not presented for their technological associations. They become physical conditions within the painting, defining compression, pressure and concealment.

    There is an unexpected resemblance to conservation practice. The translucent wrapping recalls the temporary protection used when transporting fragile objects or stabilizing damaged works before restoration. Yet here that provisional condition has become permanent. The painting remains in a state that ordinarily precedes exhibition, as though preservation itself had become a pictorial operation.

    This has consequences for the notion of painting. Colour is present, but rarely as pigment spread across a surface. Light reflects from foil, filters through plastic and circulates along the neon tube. The image is built less through chromatic relationships than through changing optical densities. Depending on where the viewer stands, certain areas appear to open while others flatten into a nearly metallic skin.

    The title, Material Transfer Unit, suggests movement rather than composition. Nothing in the work feels entirely settled. Materials seem to have arrived from elsewhere carrying visible signs of previous use, then become temporarily fixed within a structure that never quite disguises its own assembly. The painting offers no single point from which its organization can be fully grasped. Its coherence emerges gradually, through sustained looking rather than immediate recognition.

     

    Material Transfer Unit, 2025
    Painting-collage
    Dried plants, leaves, seeds, vegetal adhesive compounds, putty, metallic insulating foil, plastic foil, neon
    100 × 80 cm

     

    Material Transfer Unit, 2025
    Painting-collage
    Dried plants, leaves, seeds, vegetal adhesive compounds, putty, metallic insulating foil, plastic foil, neon
    100 × 80 cm

     

    DEUTSCH

    Auf den ersten Blick wirkt das Bild eher eingehüllt als gemalt. Transparente Kunststofffolien liegen in überlappenden Schichten über der Oberfläche. Sie brechen das Licht ungleichmäßig und bilden eine Haut, die zugleich reflektiert und verdeckt. Darunter treten stellenweise metallische Isolierfolien, dunkle Partien, getrocknete Blätter und kleine pflanzliche Fragmente hervor. Keines dieser Elemente behauptet dauerhaft den Vordergrund. Alles scheint in unterschiedlichen Tiefen eingeschlossen, als wäre die Arbeit weniger durch Addition als durch wiederholtes Überdecken entstanden.

    Die Neonlinie verändert die Art, wie sich das Bild lesen lässt. Sie liegt nicht auf der Oberfläche wie ein Akzent und dient auch nicht als äußere Lichtquelle. Ihr Verlauf biegt sich zurück, beschleunigt, verlangsamt sich, verschwindet hinter den transparenten Schichten und taucht an anderer Stelle wieder auf. Das Auge folgt ihr beinahe automatisch, ohne dass sie jemals zur Kontur oder zum Rahmen würde. Eher erinnert sie an einen Strom, der sich durch ein dichtes Material bewegt und dessen Widerstand seinen Verlauf ständig verändert.

    Aus der Nähe verlieren die getrockneten Blätter einen Großteil ihrer botanischen Identität. Ihre Farbe bleibt erhalten, ihre ursprüngliche Funktion jedoch nicht. Sie sind gepresst, eingeschlossen oder gegen spiegelnde Flächen gedrückt. Ähnlich verhalten sich die industriellen Materialien. Isolierfolie, Spachtelmasse und Kunststofffolie erscheinen nicht als Zeichen technischer Moderne. Sie bestimmen vielmehr die physischen Bedingungen des Bildes: Druck, Verdichtung und Abschirmung.

    Unvermittelt stellt sich eine Verbindung zur Restaurierung her. Die transparente Umhüllung erinnert an den provisorischen Schutz, den empfindliche Werke während eines Transports oder vor einer Konservierung erhalten. Hier bleibt dieser vorläufige Zustand bestehen. Das Bild verharrt in einem Stadium, das gewöhnlich der Ausstellung vorausgeht, als wäre der Akt des Bewahrens selbst zu einem malerischen Verfahren geworden.

    Damit verschiebt sich auch das Verständnis von Malerei. Farbe ist vorhanden, doch selten als aufgetragener Farbauftrag. Licht spiegelt sich in den Metallflächen, dringt durch die Folien und bewegt sich entlang der Neonlinie. Die Bildstruktur entsteht weniger aus Farbverhältnissen als aus wechselnden optischen Dichten. Je nach Standort des Betrachters öffnen sich einzelne Bereiche, während andere sich zu einer nahezu metallischen Haut verdichten.

    Der Titel Material Transfer Unit verweist eher auf Bewegung als auf Komposition. Die Materialien wirken, als seien sie aus anderen Zusammenhängen übernommen worden und trügen sichtbare Spuren ihres früheren Gebrauchs. Nun sind sie in einer Struktur fixiert, die ihren eigenen Aufbau nie vollständig verbirgt. Das Bild erschließt sich nicht auf einen Blick. Seine Ordnung entsteht langsam, während sich der Blick länger auf seiner Oberfläche hält.

     

    ESPAÑOL

    A primera vista, la pintura parece envuelta más que pintada. Láminas de plástico transparente cubren la superficie en capas superpuestas que capturan la luz de manera irregular, formando una piel a la vez reflectante y opaca. Debajo aparecen, por momentos, aislantes metálicos, zonas negras, hojas secas y pequeños fragmentos vegetales. Ninguno de estos elementos ocupa un primer plano estable. Permanecen suspendidos en distintas profundidades, como si la obra hubiera crecido mediante sucesivos actos de recubrimiento antes que por acumulación.

    El neón modifica la forma de recorrer la composición. No descansa sobre la imagen como un acento, ni actúa como una fuente de iluminación externa. Su línea continua se repliega, acelera, disminuye el ritmo, desaparece detrás de membranas translúcidas y vuelve a emerger en otro lugar. El ojo la sigue casi involuntariamente, aunque nunca llega a convertirse en contorno ni en marco. Se comporta más bien como una corriente que atraviesa un medio denso cuya resistencia altera continuamente su trayectoria.

    Al acercarse, las hojas secas pierden gran parte de su identidad botánica. Conservan el color, pero ya no remiten al paisaje ni a la ilustración naturalista. Están prensadas, encapsuladas o retenidas contra superficies reflectantes. Algo semejante ocurre con los materiales industriales. La lámina aislante, la masilla o el film plástico no aparecen como signos de tecnología. Funcionan como condiciones físicas de la pintura, definiendo presión, compresión y ocultamiento.

    Hay una asociación inesperada con las prácticas de conservación. El envoltorio translúcido recuerda los sistemas temporarios utilizados para proteger una obra durante un traslado o estabilizarla antes de una restauración. Aquí, sin embargo, ese estado provisional deja de ser transitorio. La pintura permanece en la condición que normalmente precede a la exhibición, como si la preservación misma se hubiera convertido en un procedimiento pictórico.

    Esto modifica la propia idea de pintura. El color existe, aunque rara vez como pigmento aplicado sobre un soporte. La luz rebota en las superficies metálicas, atraviesa el plástico y circula por el recorrido del neón. La imagen se organiza menos por relaciones cromáticas que por variaciones de densidad óptica. Según la posición del espectador, ciertas zonas parecen abrirse mientras otras se comprimen hasta adquirir el aspecto de una piel metálica.

    El título, Material Transfer Unit, sugiere desplazamiento antes que composición. Los materiales parecen haber llegado desde otros contextos, conservando señales visibles de usos anteriores, para quedar fijados —quizá sólo de manera provisional— dentro de una estructura que nunca oculta del todo su propio ensamblaje. La organización de la obra no se entrega de inmediato. Se vuelve legible lentamente, a medida que la mirada acepta demorarse sobre ella.

     

  • Field of heaven – Flatten, 2017

    Field of heaven – Flatten, 2017

     

     


    Marcello Mercado
    Himmelfeld – Flatten (Field of heaven – Flatten)
    Track.01 , 3min (excerpt)
    13 Tracks,
    2017

     

     

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